martes, 28 de mayo de 2013

El Monotributo social como solución en las iniciativas creativas


 

Sobre el Monotributo Social: Generalidades
Se trata de un régimen especial, sumamente simplificado y que le permite a quienes le suscriban contar con una opción de regularización (si tuvieran deuda), o inscripción, con un coste muy reducido y subvencionado por el estado nacional. Está pensado para autónomos con una facturación muy acotada, que actualmente no puede superar los $32.196 anuales por persona. Monto vigente desde 2011.

Su carácter social está dado, no sólo por su complementación con un aporte del estado nacional, sino porque puede incluir a ciudadanos en situación de vulnerabilidad como las personas de nacionalidad dominicana o senegalesa (Con la participación de la Dir. De Ds. Hs.).
Retomando el asunto del volumen de facturación, vale aclara que en esta normativa pueden presentarse “dúos, tríos” y cooperativas que, según su cantidad de integrantes, no tienen límites de facturación. La ley que le cobija los detalles es la Ley 25.865 - Creación del Monotributo Social / IMPUESTOS y de su lectura se desprende que mediante este procedimiento también pueden sumarse personas que hubieran acumulado deudas impositivas, o en otras situación similares, siempre y cuando no estén “querellados o denunciados penalmente”.
Su ámbito de aplicación es el Registro Nacional de Efectores, de Desarrollo Local y Economía Social que depende de la Dirección Nacional de Fomento del Monotributo Social, el cual trabaja con redes y organizaciones de emprendedores fortaleciendo proyectos en marcha e impulsando nuevas iniciativas.
Para más información es conveniente acudir a los Centros de referencia (espacios conformados por equipos interdisciplinarios que articulan las diversas líneas de acción del Ministerio de Desarrollo Social).

En relación a la actividad productiva cultural o creativa
Desde 2004 (fecha de promulgación de la ley) a esta parte se registran muchas iniciativas individuales o grupales que toman esta opción para “blanquear” su actividad pudiendo ofrecerle a sus clientes, en el caso de quienes venden productos materiales (artesanías, productos comestibles, publicaciones artesanales, etc.), o su contratistas en el lugar de quienes prestan actividades más cercanas a los servicios culturales (conciertos, actuaciones, etc.). Esta opción les permite ingresar en el capítulo de los grupos o individuos que pueden percibir estipendios de estados o compañías, con un recibo oficial como contraparte, más allá de que a mediano y largo plazo, cuentan también con seguridad social, salud, etc.
Por último vale decir que en algunos sectores de las distintas cadenas de valor de la cultura hay agrupaciones parientes de ámbitos sindicales que ofrecen condiciones similares con la especificidad de cada oficio, como por ejemplo la Asoc. Arg de Actores que viene a ser una opción este régimen, en algún caso con más antigüedad que la propia ley.

Otro aspecto a considerar es que según estudios serios (P. Beaulieu, anuario de indicadores culturales, UNTREF, 2009), muchos creadores complementan su actividad con la docencia (en algún sentido es mayoritario el papel de la enseñanza en los ingresos de los referentes creativos). Quienes ya tuvieran una relación laboral (Con C.U.I.L.) y desearan tener un segundo ingreso vía C.U.I.T pueden hacerlo con un régimen de monotributo reducido (sin el capítulo jubilatorio), aspecto que también le vuelve sumamente económico.-

domingo, 19 de mayo de 2013

Fordismo y postfordismo en la TV Argentina. 678 o PPT

A los efectos de definir las industrias culturales en general, la TV o el audiovisual doméstico en particular, vienen a cuento las ideas de Zallo quien sugiere “un conjunto de ramas, segmentos y actividades auxiliares industriales productoras y distribuidoras de mercancías con contenidos simbólicos, concebidas por un trabajo creativo, organizadas por un capital que se valoriza y destinadas finalmente a los mercados de consumo, con una función de reproducción ideológica y social”. 
Ajustada la idea de Industria Cultural vale decir que el fordismo es un modelo de industrialización propio de comienzos del SXX y vigente hasta la crisis de los 70s cuando se impusiera una versión denominada el Toyotismo. El fordismo se apoya en
la producción seriada y mecanizada con buenas condiciones para los trabajadores. Reajustado con ideas keynesianas se pretendió darle un mayor compromiso social con los actores involucrados en al producción. Sin embrago fue superado por el Toyotismo, un modelo más preciso con mejores procesos de gestión y una individualización del trabajador, muy a pesar de Mr. Burns. Así el jefe del sector 7G recupera es cada vez más Homer.
En televisión, según Graham, el proceso fordista estaba apoyado en la producción de receptores, así como en el ageneración de contenidos televisables. Con un capitalismo exacerbado, la acumulación impulsó la fabricación de aparatos mediante diversas técnicas como la imposición de avances científicos y la inyección del concepto de obsolescencia. Pero, tal vez indirecto pero muy importante, lo que realmente instaló a la TV como el tronco del capitalismo de la segunda mitad del SXX fue su capacidad para difundir y promocionar bienes codiciados y simbólicamente referenciales de la clase media americana. Esta operación se completó con un proceso igual, de imposición y posicionamiento, de una elite intelectual y política unánimemente proyectada desde la pantalla. Mientras las instituciones tradicionales, como la iglesia perdían terreno, la industria electrónica conseguía un equilibrio con las fuerzas estatales, los patrocinantes y el público televidente.
El menú de la TV ofrecía productos precocinados y producciones de larga duración consiguiendo televidentes prefabricados, crítica que Aldous Huxley en su obra “un mundo feliz” le haría al modelo fordista ironizando con niños prefabricados. Estas nuevas familias, habitantes de la privatización móvil del Birminghiano Wlliams,  estaría en manos del estado en algunos estados como en Europa, Privados, en EEUU o híbridos configurando de qué manera las tecnologías se transformaban en ámbitos de comunicación social (más Williams). Siempre haciendo equilibrio entre el tirón de demanda de aparatos mediante cambios de tecnología y, por otro lado, la construcción de un canal de marketing fordista y masivo subvencionado por el uso gratuito del espectro se conseguía, como se dijo, una opinión pública cohesionada para el stablishment político y su intelectualidad.
Hoy, muchos años después, aun persisten estas dinámicas presentes en una intención de situar determinados debates en programas de canales públicos como 678, mientras que PPT, desde Canal 13 hace un esfuerzo en sentido contrario, preocupado por los intereses de una compañía.
Esta referencia a la actualidad permite ilustrar la descomposición del modelo fordista, pues sin ánimo de hacer un acto de futurología, cuenta la propia historia de la TV –del fordismo al postfordismo- que el satélite, el cable y la banda ancha son al consecuencia de la aparición de consorcios empresariales con un peso específico enorme e intereses más amplios que los específicamente televisivos. Estas compañías que provenían de los sectores de defensa y telecomunicaciones se expandieron como un Dino Egg trasnacionalizándose desde lo comercial hasta lo económico, ramificando en lo político. Los contenidos perforaron fronteras infiltrados en los circuitos y cables, y se insuflaron de coraje gracias a la VCR que permitió hacer televisión con menores recursos, al mismo tiempo que establecen una relación parasitaria con el aparato al poder gravar y reproducir con independencia. Ramón Zallo, cambiando de autor, cree que ese nuevo modelo televisivo está controlado por un programador y no por un director. Como consecuencia se producen productos para los criterios del mercado –como en ese chiste frecuente de la tv que se rie de sí misma al incluir un personaje que, en nombre del canal, exige cambios drásticos en una producción debido a los gustos y estudios del público. Todo el proceso está, en cierta medida, monitoreado por una compañía en función de sus intereses.
Mientras que el fordismo ha sido un modelo de producción audiovisual estructurado, el postfordismo y sus características se salen de la pantalla para “pantallizarlo” todo y exigirle a la realidad que entre en su pantalla, en sus horarios picos, en sus reglas de juego.  El nuevo mercado cultural es, al mismo tiempo que global, enredado, y en procesos rizomáticos que han jaqueado la capacidad de control e incidencia del estado, salvo claro, que este último mute a un modelo de guerra de guerrillas a la par de las corporaciones, y por consiguiente como una más. 


Con un modelo de producción más económico y libre, la capacidad de construir ideología y legitimidad política de la TV se diluye dejando cada vez más espacio para el espectáculo. PPT, para sostener el ejemplo, no sólo informa –si lo hace- sino que debe divertir para sostenerse. Programas superconsumidos, como JackAss son el postfordismo en su máxima expresión: hechos por pocos, sin cadena de producción clara y haciendo de los antivalores un producto.  Los nuevos productos audiovisuales, como los espectáculos deportivos (porque lo son, ténganse en cuenta que han perdido su razón de ser en sí misma –jugar al futbol- para hacerse a la hora que conviene programarlos subvirtiendo su naturaleza), los conciertos, y hasta los acontecimientos históricos, etc.
Una consecuencia de los antes dicho es que se profundiza la “desregulación” y privatización del sector. Mientras que el fordismo creía en el valor trabajo que incrementa el capital  (se satisfacen necesidades y por consiguiente se reporta una carga social positiva y objetiva, el postfordismo el utilismo hace que los productos valgan según la opinión de los televidentes  y sus subjetividades. El propio Zallo reconoce que “cada vez más, el saber intelectual se incorpora al sistema de máquinas, aunque con límites reales inherentes a la naturaleza y destino de la producción simbólica. El trabajo se dirige cada vez más a la definición de una novedad, un tema, una noticia –que aliente al mercado vía renovación continua- que al conjunto de fases de formación del producto”.
Las mismas noticias han dejado de ser un compacto que le relata al televidente lo que pasó, para pasar a ser una razón de los acontecimientos, siguiendo la línea de Innerarity (Granhermanismo político). Esta simbiosis entre realidad y televisión obliga a quienes deseen hacer un acontecimiento a hacerlo para la TV, y no como fuera en un comienzo.

miércoles, 1 de mayo de 2013

Público es nosotros.


“Público es nosotros” Dice Víctor Molina. Tan difícil de definir como artista, los destinatarios, los asociados (según Toni Puig Picard), y siguiendo a Molina deberíamos entender que “las instituciones públicas (entíendase para el público) deben ser capaces de transformar el mundo, un mandato que les viene del arte. Agrega que algunas de estas instituciones sólo se guían por las filias y las fobias que tenga su director, haciendo parecer como algo público, algo privado donde los proyectos son espectaculares pero no participativos. El público, retomando lo dicho, ha de ser ese 1% que desea ver música de cámara y ese 99% que debe desearlo después de la labor de las instituciones, todos los ciudadanos en el caso de los ámbitos de dependencia pública, todos los socios en el caso del tercer sector y cada uno de los clientes, en el caso de los proyectos de ribetes comerciales. Desde la crítica y la comunicación, por último, en un gesto academicista, dice Michel de Certeau (1990: 82-97), los públicos son productores activos y manipuladores de significados y por tanto los sujetos sociales son concebidos como lectores que se apropian de los discursos populares y los recrean en procesos de permanente resignificación y resimbolización de un modo que les sirve para diferentes intereses

¿Qué es un artista?


Qué es un artista es una pregunta sin solución. Unos dicen, simplemente que es quien ve la vida como tal; otros creen que el circuito de legitimación es quien los determina. Mientras, otro grupo propone que un artista es aquel que produce arte, algo difícil de determinar en la medida que otros creen que es el carácter de artista lo que vuelve sus piezas arte. Sol Lewitt propone “la noción de que el artista es una especie de mono que debe ser explicado por el crítico civilizado” es una buena noticia “tanto para los artistas como para los monos”. Lewitt cree que la idea o concepto es el aspecto más importante de la práctica (y supongo) definición de artista pues “la idea se transforma en una máquina de hacer arte” y suele ser libre e independiente de la habilidad del artista como artesano. Lewitt, Sol. Escritos – Obras. Fundación PROA, 2001.

Los memes de Richard


Los memes son un aporte de Richard Dawkins incluído en “El gen egosita” que representan la unidad mínima en la que se puede medir la trasnferencia cultural de un sujeto a otro, y que con el paso de del tiempo sufren procesos evolutivos forma evolutiva. Este último proceso no es casual, sino que se apoya en la idea que hay cierto paralelimos entre los genes que residen en el ADN (heredados genéticamente e inmutables por acciones del propio individuo) y los memes son asimilados por el pensamiento mediante la enseñanza, la experimentación, etc. aunque sí se replican como los genes.  

Mashup ¿una forma de filosofía?


Mashup (también conocido como pop bastardo en música) es una técnica de realización musical consistente en el entrecruzamiento de dos o más temas preexistentes. Sobre la idea de transparencias o layers, esta práctica habitual en la música electrónica utiliza generalmente una pieza vocalizada y otra que funciona como base rítimica. Algunos ejemplos son Bongo Bong, donde Manu Chao mezcla su King of The Bongo con Je ne t'aime plus, o Music inferno con Music (de ella misma) y Disco Inferno, de The Trammps, Fiebre del Sábado noche, entre otros. Vale destacar que las primeras “bases” para esta práctica fueron las épicas piezas de Kraftwerks. Este tipo de actividades son claves para entender los nuevos planteos de la cultura, y sus variaciones como los glitch, cuando se incluyen músicos en vivo re-editando un tema, no son otra cosa que los plnateos contenidos en este texto. Lo mismo sucede con su derrotero: del audio (las tecnologías más baratas y accsibles) pasaron al video, y de allí al desarrollo web, cuando una page combina datos pocedentes de diversas fuentes y funcionalidades de otros desarrolladores con apis abiertos y fuentes de datos, mapeos, etc. generando, según wikipedia, “combinación, la visualización y la agregación” para diversificar su utilidad. Hoy podríamos hablar de una suerte de movimiento estético, o más precisamente filósofico en torno al mashup.  

Un hábito, una necesidad, un derecho: El arte


(con motivo de la Muestra El jardín de las Delicias, de Joan Miró, en el Cabildo Histórico de Córdoba)

La Municipalidad de Córdoba a través de la Secretaría de Cultura, y en el marco de sus actividades de promoción y acceso popular a la cultura, inaugura en el Cabildo Histórico de la Ciudad la exposición El Jardín de las Maravillas de Joan Miró.
El 2013 es un año que encuentra a esta secretaria con un sinfín de actividades culturales descentralizadas e interdisciplinarias que buscan generar en la Ciudad un hábito, una costumbre, una necesidad y un derecho: entender a la cultura como un elemento constitutivo de nuestros días, para hacerlos valiosos y multicolores.

Cualquiera estaría tentado de decir que es “un lujo” para la ciudad, pero siendo rigursos con la terminología, estamos frente a una victoria. Debe tenerse en cuenta que este viaje a la infancia, los colores y el movimiento se ha presentado en los museos y galerías más destacados del mundo. 
Esta actividad es posible gracias a la colaboración de la Fundación Tres Pinos y la Fundación Melián; con el auspicio de la Oficina Cultural la Embajada de España en Argentina y el apoyo de Fundación Melian, Comedi Arting, Evolución Arte y Ars Maxjer Contemporánea, que permiten traer a este artista internacional con entrada libre y gratuita para todos los cordobeses.

Mucho se ha dicho en la crítica del arte acerca de este artista y no corresponde aquí explayarse sin antes  estacar que su obra lúdica y fascinante ha atravesado la historia del arte, y derribado las barreras institucionales de la cultura y la educación promoviendo a través del arte un lenguaje creativo que despierta en miles de niños y niñas el acercamiento a las artes visuales y de este modo a la cultura.
Bienvenidos, entonces, a una exposición que celebra los 120 años del natalicio de este creador, a través de  una cuidada selección de aguafuertes, litografías, xilografías e ilustraciones de libros llevada a cabo por el curador italiano Massimo Scaringella.

Por último, cabe mencionar que esta exposición es una de las tantas activida
des que el municipio lleva adelante con mucho esfuerzo de agentes municipales, miembros de la comunidad artística local y el propio Intendente para que todos los ciudadanos de Córdoba, independientemente de su situación social, económica o educativa, accedan con comodidad a los espacios públicos que les pertenecen y los vivan plenamente.